Rogério Barbosa artista plástico
Rogério Barbosa
A trajetória artística de Rogério Barbosa se iniciou aos 17 anos, quando ele decidiu deixar sua cidade natal, Pouso Alegre, para estudar artes plásticas em São Paulo. Filho de agricultores da região, com uma tradição predominantemente rural, enfrentou o desafio da mudança radical de partir para uma grande cidade e lidar com um assunto em si bastante complexo e subjetivo. Cursou a Escola Panamericana de Arte entre 1987 e 1990, voltando a Pouso Alegre, passou a lecionar matérias relativas a Arte e História da Arte e escolas da rede particular de ensino, atividade que manteve até 2002.
Neste período, manteve seus contatos com as instituições de arte em São Paulo e frequentou o atelier de pintura do MUBE, Museu Brasileiro de Escultura , em oficinas ministradas pelos artistas Carlos Fajardo e Dudi Maia Rosa, que muito contribuiu em suas escolhas e caminhos dentro da Arte Contemporânea. Participou de diversas exposições e salões, sendo a última individual na Galeria Baró Senna, em São Paulo.
Os trabalhos de Rogério Barbosa estabelecem-se nos limites fugidios do Desenho e da Pintura. Por vezes, o desenho atravessa a matéria pictórica ou sobrepõe suas cores econômicas e terrosas, e se afirma quase abstrato, ainda que com resquícios de uma figuração recorrente como pequenas memórias. Em outros trabalhos, a pintura, somada ao uso de materiais pouco convencionais como verniz, asfalto e terra, dissolve as arestas do desenho como quisesse rebaixá-lo
sem, no entanto, descaracterizá-lo . Frente a este embate, faz-se importante ao observador que transite entre os dois universos, ciente de que as tensões estabelecidas entre eles se somam como qualidade plástica, e que desnecessário seria engessar os trabalhos em uma ou outra categoria. Mais importante talvez deixar-se levar pela carga emocional que os trabalhos suscitam e ouvir os ruídos que provocam nos nossos sentidos.
Teodoro Stein Carvalho Dias
Texto escrito para a exposição no Instituto Moreira Salles de Poços de Caldas-MG em 2012.
Texto curatorial da exposição “Culpa de ser e Culpa de não ser”
Culpa de ser e culpa de não ser
Segundo Stuart Hall, o processo de formação cultural de um povo, de uma nação, é que lhe dá identidade. São histórias contadas e recontadas; memórias que estabelecem um nexo etiológico entre o presente e o passado, ou seja, uma verdadeira “comunidade imaginada”.
E esse fenômeno de identidade cultural foi duramente afetado na história do povo Armênio e de várias outras etnias e nações.
A diáspora, não há dúvida, causa destruição da memória de uma nação. Afeta suas narrativas, suas experiências compartilhadas, suas perdas, seus triunfos, a literatura, cultura popular, sua ancestralidade, a língua falada etc. Tudo se perde. Os filhos da diáspora estão longe de sua terra natal e são obrigados a se inserir em uma nova cultura, uma nova língua, refazendo suas vidas com perdas não raro irrecuperáveis.
Para se entender o genocídio do povo armênio, é curial que estude o Império Otomano, notadamente no final do século XIX e início do século XX. Esse é o cerne desta exposição. Pela arte, procurou-se reescrever essa história, identificar seus personagens, suas trajetórias e a forma pela qual construíram suas narrativas imaginárias.
Esse é apenas um fio condutor para se descortinar no pensamento um autêntico processo conscientizador.
A artista ANA LUIZA KALAYDJIAN, apresenta a instalação “Testemunho”. Este trabalho, desenvolvido ao longo deste ano, reúne histórias de sobreviventes, netos e filhos do genocídio Armênio. Em “Círculo Invisível”, a artista se apropria da farinha (simbolizando a ausência do pão e a fome no deserto sírio) e a apresenta de uma forma performática por meio de vídeo e também de forma escultórica, resultando várias leituras subjetivas da ancestralidade do povo Armênio.
A artista CAROL KURCIS, pela lente de sua máquina fotográfica, com muita sensibilidade, apresenta imagens das faces de pessoas em P&B dentro de tramas, como se cada fio da trama representasse uma história, uma memória, uma saudade.
As cores tonais apresentadas nesse contexto são frias, neutras, pois elas representam o não-reconhecimento, por vários países, inclusive o Brasil e a Turquia, do genocídio do povo armênio.
O artista plástico NICK ALIVE, em obra criada com a técnica do grafite, valendo-se de cores menos frias, desvela o Monte Ararat, que desperta muitos desejos e esperanças, pois significa a separação territorial, os conflitos, a religiosidade, a beleza e a grandiosidade que povoa o imaginário do povo armênio.
PAULO HARDT, artista plástico e publicitário, expõe uma escultura que, pelas formas e pela escolha do material – o concreto – representa os túmulos e os tempos sombrios que culminaram na matança indiscriminada de inocentes e a expulsão de todo um povo de sua terra natal.
As performances de JANAÍNA BARROS e WAGNER VIANA – professores, artistas plásticos e militantes dos movimentos pelos direitos de igualdade racial – cuidarão das novas diásporas, não só aquelas criadas pelas migrações pós-coloniais, como também aquelas vivenciadas pelos jovens negros da periferia e a população indígena genuinamente brasileira.
Por fim, haverá a exibição do Road Movie “RAPSODIA ARMENIA”, composto por uma polifonia de personagens, no qual rostos armênios e suas músicas são os verdadeiros protagonistas, com a presença dos diretores/ cineastas CASSIANA DER HAROUTIOUNIAN, CESAR GANANIAN E GARY GANANIAN, para uma conversa sobre o processo e produção do curta metragem.
No decorrer da semana, outros filmes e documentários produzidos por cineastas armênios e outros cineastas internacionais, traduzidas e legendadas por CHARLES APOVIAN.
Espera-se que, a partir do resgate dessas memórias, seja possível sensibilização sobre questões tão atuais, quais sejam: as guerras civis e étnicas; as novas diásporas; a conquista de poder pela violência; a ignorância e a falta de alteridade.
Como salienta Maria Rita Kehl, […] “não querer saber de nada”, é o apego à ignorância que caracteriza a nova barbárie diagnosticada por Walter Benjamin às vésperas da Segunda Guerra Mundial. Seria justamente a disposição subjetiva capaz de promover tanto a paixão amorosa quanto os ódios apaixonados que podem incendiar multidões e autorizar toda espécie de violência em nome de ideias de segregação e pureza.
Loly Demercian.
Programação geral do Evento na PUC/SP
Exposição : Culpa de ser e culpa de não ser
Foucault: O que é o eu?
AS FISSURAS DO SENTIDO DO EU
RESENHA DO LIVRO: CANGUILHEM, Georges. Michel Foucault: morte do homem ou esgotamento do Cogito? 
” Foucault não foi o inimigo do homem e do sujeito humano que se julgou que fosse; considerava, simplesmente, que esse sujeito não podia fazer cair do céu uma verdade absoluta nem agir soberanamente na constelação das verdades.” Não temos comunicação direta com o ser. Contudo, isso não nos leva para uma ontologia completamente relativista, para um ceticismo ou um niilismo. Ao contrario, em Foucault não há distanciamento analítico em relação ao que buscam aqueles que querem encontrar a essência da verdade. Digamos que ele muda a lente de observação e nos leva para além da sociedade, da mentalidade e dos generalismos. Fez-nos ver que “o conhecimento não pode ser o espelho fiel da realidade.” Pelas discursividades encontramos a razão da inesgotável produção de Michel Foucault, nas suas variâncias, nas peculiaridades de cada época, no enfrentamento de tabus, de historicismos, cientificismos, em síntese, nos jogos de poder. Por meio deles somos acostumados a engolir verdades, sempre provisórias, mas que carregam um conteúdo definitivo, total, perpetuo. Inversamente Foucault nos mostra que o pensamento é rarefeito, apresenta lacunas e são com elas que ele se ocupa.
Em Michel Foucault: morte do homem ou esgotamento do Cogito? encontramos uma defesa de As palavras e as coisas e do método arqueológico. Georges Canguilhem promove a tentativa de salvaguardar as hipóteses de Foucault, livrando-as dos inúmeros equívocos de compressão já expressados a respeito da obra que esta próxima de completar cinquenta anos e é concebida, mesmo pelos críticos, como uma das mais relevantes produções filosóficas do século XX.
Nao há identidade previamente dada nos caminhos percorridos pelo pensamento de Foucault. O seu objeto nao está nas coisas, na natureza humana, mas no enunciável, no enunciador, no discurso, na linguagem, enfim. Nietzsche já indicava que o sentido da palavra remete ao que ela confere e por quem é dito, como é enunciado. Fazendo uso dessa proposta, Foucault modifica uma questão importante na historia do pensamento, a de que importa menos o significado do que é pensar. Devemos nos voltar para a questão “o que é falar?”. Vemos uma ruptura com os pressupostos cartesianos, na medida em que as discussões em primeira pessoa se tornam estéreis, no momento em que a loucura é apresentada como excesso de subjetividade e a normalização como o apagamento do eu, portanto há uma revolução acerca do que tomamos como objeto de reflexão. Dom Quixote é uma clara representação desse modelo de loucura, não por acaso algumas paginas de As palavras e as coisas são dedicadas á analise dessa criação de Cervantes. A linguagem é um dispositivo de poder, nao somente uma marca, uma espécie de assinatura, de autoria, mas também um instrumento de manipulação.
A fundamentação científica contemporaneamente, justamente por isso, não busca mais decifrar a natureza, mas encontrar o melhor modo de representa-la. O Cogito de Descartes foi por séculos sustentados como a relação conceitual mais cristalizada entre aquele que pensa e o pensamento. Contudo o eu de Descartes só é valido para Descartes. Esse eu não atinge uma eventual prova do outro, nem mesmo daquilo que representa.
Foucault nos leva a retomada dessa pergunta: O que é o eu? Mas um eu que vai além do racionalismo cartesiano, que compreende o outro como elemento formador na representação do que é o eu. O eu do outro ou o meu eu visto pelo outro, em terceira pessoa. Se espantar com o seu eu, não reconhecer a natureza dele, pelo menos aquela atribuída discursivamente pelo outro, sobretudo por dispositivos de analises ditos científicos: sadio, doente, louco, liberto, curado, etc.
Le Goff diversas vezes aludiu para a pouca importância, sob sua ótica, na contribuição dos filósofos da historia para a historiografia e para o processo de composição de um estudo histórico consistente. Noutra via, abria exceção quando o citado nas entrevistas era Foucault, afirmava que “foi um caso raro: tornou-se historiador, permanecendo filosofo!” A admiração talvez se situe no fato de que Foucault não costumava citar historiadores para confirmar hipóteses, preferia se debruçar em textos primários por vezes esquecidos em bibliotecas, fontes pouco recorridas, documentos soterrados e assim construia sua teia argumentativa. Foucault nunca foi fiel a si mesmo e aos seus conceitos. Sua filosofia jamais foi produzida a partir de alguma tese que pudesse ser defendida por ele durante toda a vida; seu pensamento é produtor de movimento, de novidades, e, por isso, considerado aberto. A perfeição do seu discurso esta justamente no perpetuo desajuste, na capacidade de admitir sua produção intelectual como processo de constante reelaboração, como se a busca por tecer tanta analise acerca do poder o tivesse seduzido. Suas obras demonstram uma tentativa de jamais se deixar amarrar aos discursos como principio de verdade.
Foucault talvez tenha sido o filosofo mais plural do século XX, sobretudo se pensarmos nas suas contribuições dadas em inúmeras e diversas áreas do pensamento: artes, direito, linguística, historia, medicina, economia, biologia, psicologia, etc. Isso porque seu objeto é o discurso, e assim, acabou por elaborar uma especie de historia universal que por meio de uma analise minuciosa daquilo que é enunciado tornou tudo singular, tal como sugere Paul Veyne. Canguilhem nos apresenta uma defesa desta infidelidade que me parece mais confiável, em termos do que possamos compreender por pratica, por exercitar e estimular o conhecimento.
Leandro Alves Martins de Menezes
Processo de Pensamento
Como de costume de todas as manhãs em minha casa, leio os jornais, Folha de São Paulo e Estadão. E os artigos que me interessam vou recortando e aglomerando em minha caixa de vime, até resolver trazer para a galeria e discutir com o pessoal. As vezes tais discussões não acontecem, por falta de tempo, na correria diária da galeria, são artistas, portfólios para ver, processos para acompanhar de artistas, projetos culturais, aulas, obras, fotos etc.
Bom, foi nesse vai e vem de falta de tempo para filosofar, um pouco diante da nossa realidade, que resolvi fazer esse site. Assim eu escrevo, e a discussão será ampliada a quem quiser ler e discutir. É sempre bom uma brecha para olhar um pouquinho para o mundo e, ver o que está acontecendo em outros países, cidades e quem sabe, mudar nosso olhar para a realidade.
Li hoje no caderno Cotidiano C2 da Folha, um texto do Rubem Alves, entitulado “Onde Mora a Inteligência”. Este texto me chamou atenção, pois leio muito Bergson e, em seus livros se dicute muito sobre a inteligêcia. Por tanto é um assunto que vai de encontro com as minhas leituras.
Me deparei com uma leitura bem diferenciada, uma outra forma de abordar um tema com o qual estou bem habituada a ler, que é inteligência. Diferente pelo menos em um de seus aspectos, como ativar a inteligência que esta em nossa memória histórica e na criatividade?
Rubem Alves, retorna a sua antiga escola em Portugal e se depara com uma frase de uma garota: “O real não esta na saída nem na chegada, ele se dispõe para a gente é no meio da travessia”. Até então ele não havia pensado, a escola e seus professores, por esse ângulo.
Lembrou-se de seus anos no ginásio e a pedagogia dos professores em ensinar. Os professores ensinavam o que já estava pronto e queriam ver os resultados nas provas, tudo era decorado e pré induzido em nossas cabeças. Aí surgiu a frase da garota, e o durante? e a travessia? Pois na chegada a inteligência dormia, onde estavam os argumentos sobre a raiz quadrada? Quantas vezes o matemático errou para chegar ao resultado? Onde está o pensamento? A física, a geometria, as ciências? Como descobriram, quais as hipoteses levantadas, os camimhos que os levaram a pensar tais formulações? Onde esta a travessia, o durante? O professor não ensinou.
Os professores não percebem que esquecendo a travessia, apenas ensinando na chegada, formam alunos com uma memória musculosa e uma inteligência flácida. A arte de pensar, se ensina, fazendo a inteligência seguir o caminho da travessia, com todos os seus erros e enganos.
Loly Demercian
Grafitte
Discorrendo sobre o Grafitte
Segundo Bauman, numa sociedade liquida-moderna, as realizações individuais não podem solidificar-se em posses permanentes, porque, num piscar de olhos os ativos se transformam em passivos e as condições de ação e as estratégias de reação, envelhecem rapidamente e se tornam obsoletas.
Seguindo esse raciocínio, observo o grafitte, nas ruas, nas esquinas, nas casas abandonadas, nas indústrias esquecidas, na periferia, na cidade… na galeria de arte.
Mas a questão é o conceito, seria arte expandida, como muitos críticos a definem? Fine art, como esta sendo chamado? Vejo que não, pois a arte expandida tem como cânones a história da arte, o discurso é definido na arte, coisa que o grafitte não , ele é bem indefinido; Campo ampliado? não, porque ele não tem territórios e não se instaura em lugar nenhum; Arte híbrida? Não, porque ele não tem plasticamente várias produções, a manufatura não é retirada da história da arte; Desenquadramento da arte? Não porque ele não tem como conceito algo palpável, do estático, não existe nem modelo e nem uma idealização de um mundo.
Então o que define o grafitte na contemporaneidade?
Seguindo o raciocínio de Bauman, em que as ações e as estratégias de reação envelhecem rapidamente e se tornam obsoletas, o grafitte é essa ação, porque a cada segundo, a cada minuto uma parede é pintada, assim, como ela é destruída, demolida. Tudo que se pintou, transformou-se em pó. As técnicas mudam a cada dificuldade que o grafite exige. Os desenhos, os riscos, nada pré-definido, mesmo que queiram marcar o gestual, como uma grife, que é digno, porque somos humanos, queremos dar nossa assinatura como existência que estivemos aqui…
Essa é a palavra…existência…tudo se torna obsoleto. A existência, precisamos dela, mesmo que em si, mesmo que sendo. É o aqui, é sendo vivido, ora se ela é sendo , no gerúndio, como podemos dar nomes, se ela é o agora?
É nessa ilusão que temos da consciência, que o grafitte cria e recria, leva-nos a refletir sobre o que vemos e sobre o nosso tempo, a nossa consciência das coisas vividas.
Termino citando Bergson: “A Imagem é um estado presente, e só pode participar do passado através da lembrança do qual ela saiu. Se a consciência não mais que característica do presente, ou seja, do atualmente vivido, ou seja, enfim, do que age, então o que não age poderá deixar de pertencer a consciência, sem deixar necessariamente de existir de algum modo.”
Loly Demercian
Profanações
Profanações- Giorgio Agamben
Resenha:
Profanações- Giorgio Agamben
Segundo o autor , profano, é aquilo que , de sagrado ou religioso que era, é devolvido ao uso e a propriedade dos homens.
Quer dizer, é aquilo que deixou de ser sagrado , ou ainda, da ausência deste. Perder o sagrado é perder a totalidade de mundo. Digo isso porque profanar significa restituir o uso comum , o que havia sido separado na esfera do sagrado. Tornou-se improfanável, fragmentado, onde o sacrifício, tornou-se mercadoria, como o corpo , a sexualidade, a linguagem, esta na esfera do consumo.
Walter Benjamin discorrendo sobre modernidade disse que, o valor da exposição, quer dizer, o corpo exposto para as câmeras, como um espetáculo, com a perda da aura, banalizando o improfanável. E Marx na oposição, entre o valor de uso e valor de troca, a exposição vazia do resto, e Nietzsche, com a morte de Deus e nas consequências dessa morte. Diz que a negação do mundo supersensível ( como Kant defendia) e dos valores que o constituem acarreta o esvaziamento do mundo sensível, que se vê privado de consistência e de razão de ser- niilismo- a vida humana se tornaram caducos.
O presente em que estamos vivenciando as nossas experiências humanas nos mostra a total descentralização do que somos.
O individualismo, a massificação , acabou com nossa subjetividade, liberdade. Nos remete a perda do sagrado, que significa a indigência do tempo.
Mas é exatamente aí, nessa esfera da profanação – na ausência do ser, surge a necessidade do diálogo, é preciso que haja tal perda para se traçar o caminho do sagrado.
Numa linguagem autenticamente trágica, o original, o que está sempre a cria-se, é o surgimento do individual, e é através desses jogos de seduções e de profanações que fotógrafos, cineastas, poetas utilizam-se para expressar e interpretar o nosso modo de viver, da nossa época. A profanação do improfanável é a tarefa política da geração que vem.
Loly Demercian
Resenha do livro Culturas e arte do pós-humano
livro: Culturas e artes do pós-humano: da cultura das midias a cibercultura
autora: Lucia Santaella
Resenha: Roseli Conceiçao de Moraes Rojas Demercian
Lucia Santaella, em 1992, lançou o livro Cultura das mídias, e, em 2003, Culturas e artes do pós-humano, em linha de continuidade com a pesquisa iniciada em 1992. Preocupada com o andamento da cultura das mídias e com as profundas transformações na cultura de massa e na Indústria Cultural, Lucia Santaella se propôs a analisar esse processo.
A obra esta dividida em 14 capítulos, sendo que a introdução explana sobre onde surgiu a ideia da continuidade da pesquisa já iniciada em 1992, as preocupações em relação cultura de mídias e sua evolução ate os dias de hoje. É a proposta do livro. Mas o que chama atenção na leitura do livro, é que a autora estabelece uma ligação muito forte com as artes visuais, sendo que uma de suas hipóteses em que se norteou é que o artista sabe das mutações socio-culturais, sem saber que sabe.
Segundo a autora […] “é , de fato, uma espécie de teoria não-verbal e poética que os artistas criam na sua aproximação sensível dos enigmas do real. Temos de prestar atenção no que os artistas estão fazendo. Pressinto que são eles que estão criando uma nova imagem do ser humano no vórtice de suas atuais transformações. São os artistas que tem nos colocado frente a frente com a face humana das tecnologias.”
Sob o titulo de O que écultura, o capitulo 1 discorre sobre a evolução da cultura através do tempo/espaço.
Dividida em 4 topicos, destaco o topico 4, da semiotica aos estudos culturais. Neste, discute-se a oposicão entre natureza e cultura, propondo níveis de transição entre ambas. Assim, a corrente da semiótica opõe-se ao estruturalismo na medida em que este baseia suas oposições nos critérios de arbitrariedade e convencionalidade dos símbolos.
O capítulo 2 versa sobre a cultura midiática. Dividido em 3 tópicos, traça as transformações da cultura no século XX até a revolução digital. Com o advento da cultura de massas, a partir da explosão dos meios de reprodução técnico-industriais (jornal, revista, fotografia, cinema etc), seguido da onipresença dos meios eletrônicos de difusão (especialmente rádio e televisão), produziu-se um impacto até hoje significativo na tradicional divisão da cultura erudita, culta, de um lado, e da cultura popular, de outro. Essas dificuldades atingiram seu ápice nos anos 80, com o surgimento de novas formas de consumo cultural propiciadas pelas tecnologias do disponível e do descartável: a fotocopiadora, o videocassete, o videoclipe, o videojogo, o controle remoto, o CD e a TV a cabo, todas tecnologias para demandas simbólicas, heterogêneas, fugazes e mais personalizadas.
Segundo Santaella:[…] A cultura midiática propicia a circulação mais fluida e as articulações mais complexas dos níveis, gêneros, e formas de cultura, produzindo o cruzamento de suas identidades. Inseparável do crescimento acelerado das tecnologias comunicacionais, a cultura midiática é responsável pela ampliação dos mercados culturais e pela expansão e criação de novos hábitos no consumo de cultura .
O Capítulo 3 discute Uma visão heterotópica das midias digitais. Dividido em 3 tópicos, discute a adoção do termo “mídias” e “novas mídias”.
O capítulo seguinte, mais longo, Substrato da cibercultura, está dividido em 12 tópicos. Tendo como ponto de partida a cultura de massa, esse capitulo tem como função e finalidade trazer à tona a discussão dos elementos que foram pavimentado o terreno para o surgimento da cibercultura, desenhando as linhas de força da continuidade em relação à cultura das mídias.
Dividido em 4 tópicos, o capítulo sobre as Formas de socialização na cultura digital, trata das complexidades semióticas que as constituem, novos ambientes comunicacionais, as comunidades virtuais, linguagem e constituição do sujeito cultural e as formações psicossociais na era digital.
Artes híbridas, tema do capítulo 6, dividido em 3 tópicos, versa sobre linguagens e meios que se misturam, criando um todo mesclado e interconectado de sistemas de signos que se juntam para formar uma sintaxe integrada. As passagens entre signos, as paisagens sígnicas das instalações e hibridismo digital são discutidas.
Dividido em 6 tópicos, o capítulo 7 desenha um Panorama da arte tecnológica e discute a era pós-moderna, todas as artes que se confraternizam (desenho, pintura, escultura, fotografia, vídeo, instalação) e todos seus híbridos. O artista pode dar a qualquer um desses meios datados uma versão contemporânea. A emergência das tecnologias eletrônicas, a semio e tecnodiversidade das artes e tendências da ciberarte são objetos de análise.
O corpo biocibernético e o advento do pós-humano, título do capítulo seguinte, divide- se em 7 tópicos, e dentro dos tópicos, mais subdivisões, para um maior esclarecimento desse capitulo, pois se trata de um capítulo bastante extenso porque fala da revolução digital entrando numa nova era. Para alguns, essa era trará consequências para a constituição da vida social e formas de identidade cultural tão profundas quanto foram as de emergência da cultura urbana mercantil no fim do feudalismo. Para outros, mais radicais, trata-se de um salto antropológico tão vasto quanto foi aquele que resultou da revolução neolítica. São discutidos os modelos das relações entre máquina e corpo humano, a cibernética de segunda ordem e o bioconstrutivismo, da analogia cibernética para o hibridismo do ciborg, o visionárismo ciberpunk, o advento do pós-humano, as múltipla realidades do corpo, o corpo simulado, o corpo digitalizado, o corpo molecular e entre utopia e a distopia.
O capítulo 9, voltado para A semiose do pós-humano, divide-se em 6 tópicos. Esse capítulo trata das novas tecnologias da informação e comunicação que, segundo Santaella, estão mudando não apenas as formas de entretenimento e laser, mas potencialmente todas as esferas da sociedade, por isso, a autora busca uma modelagem conceitual renovada. Também nesse capitulo discute-se a semiosfera, o reino dos signos e da cultura, cultura da mediação, o crescimento do cérebro, as máuinas sensoriais e as máquinas cerebrais e uma nova antropomorfia.
A psicanálise e o desafio do pós- humano, capítulo 10, tem por objetivo levantar algumas indagações sobre a questão da psicanálise frente às transformações aceleradas que, pelo menos nos últimos vinte anos, estão ocorrendo nos campos da economia, geopolítica nas relações indossolúveis da ciência com a tecnologia, na cultura em geral. Os 4 tópicos em que divide são os seguintes: o legado da psicanálise, o desafio do pós-humano, a psicanálise e a antropossemiose como antídotos e a psicananálise no vórtise das mutações.
O corpo vivo como suporte da arte, capítulo 11, trata da pintura como arena da ação (action painting) que evoluiu para pinturas no próprio corpo humano, uma ação sem tela, até o limite do corpo em si como suporte da arte, encenando, seja lá o que for, mesmo a inércia, como forma de arte. Divide-se em 5 tópicos: Arte e vida, Do gesto à contestação, A body art e as cruzadas femininas, Anos 80 e a irrupção da pós-modernidade, Anos 90 e o corpo tecnológico.
No capítulo 12, por As artes do corpo biocibernético, a autora quer significar as artes que tomam como foco e material de criação as transformações por que o corpo e, com ele, os equipamentos sensório-perceptivos, a mente, a consciência e a sensibilidade do ser humano vêm passando como fruto de suas simbioses com as tecnologias. Divide-se em 2 tópicos : O corpo na convergência das artes, as facetas das artes do corpo biocibernético.
Corpos carnais e corpos alternativos, tema do capítulo seguinte, discute como, de algumas décadas para cá, cada vez mais o humano passou a ser definido em relação aos sistemas cibernéticos. Os 3 tópicos dessa discussão são: Um fogo cruzado de opiniões, a ambiguidade do corpo no ciberespaço, A semiose da descorporificação em ambientes virtuais.
Finalmente, no capitulo 14, A arte depois da arte, o tema do fim da arte ou a morte da arte veio surgindo desde o século XIX. Instaurado no campo da filosofia, o próximo sinal dessa crise migrou para o interior da própria arte. Divide-se em 12 tópicos : O crepúsculo da arte na
filosofia, O suicídio da arte nas vanguardas estéticas, A arte como fênix, A coexistência de paradigmas na arte, O retorno do fim da arte, A arte depois da filosofia, Depois da arte, ainda arte, A militância do admirável, A estética evolucionária de Wagner Garcia, Amazing Amazon: rio pensante e Clothing Earth with mind: o apelo do admirável.
Foi publicado no: Centro Internacional de estudos Peircianos- https://estudospeirceanos.wordpress.com/resenhas/